MUESTRA
Almond, Atassi, Dafflon, Erlich, Halley, Knoebel, Maggi, Siena, Walsh
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Dialéctica rinde homenaje al ejercicio filosófico del
arte de interpretar, reflexionar y argumentar, que busca en
cada manifestación el desarrollo del espíritu y la ampliación
del conocimiento. Reúne un grupo importante de artístas de la
escena internacional, entre los que se incluye: obra reciente
(pintura) de Leandro Erlich, Imi knoebel que por primera vez
se presenta en Uruguay, así como también Farah Atassi,
destacada artista francesa, y la gran estrella uruguaya, Marco
Maggi.
Darren Almond
Nació en 1971, Reino Unido.
Explorador fascinado por la noción del tiempo y su
representación. Darren Almond desarrolla desde hace casi
veinte años una obra que combina tanto fotografías, películas,
borradores, pinturas como instalaciones y esculturas. Los
soportes y los temas muy variados (relojes desajustados,
placas de trenes con frases poéticas, pinturas con
combinaciones numéricas aleatorias) remiten al pasaje del
tiempo, la memoria individual y colectiva, el movimiento y el
espacio.
Para el artista, el tiempo se expande y se contrae haciéndose
maleable. La experiencia temporal es subjetiva y puede ser
percibida de diversos modos.
Farah Atassi
Nació en 1981, Bélgica.
Nacida en Bruselas en 1981, Farah Atassi es una de las
artistas más renombradas de una joven generación de pintores.
Atassi desarrolla una pintura figurativa a partir de un
vocabulario de pintura abstracta: sus formas geométricas
generan espacios donde determinados objetos son puestos en
escena. Todos sus cuadros descansan sobre el mismo
dispositivo: un motivo recubre la superficie de la tela y
sigue las líneas de la perspectiva, creando efectos de
distorsiones y de profundidad improbables. Estos
movimientos son reforzados por el rigor de las líneas rectas.
A la manera de algunos collages, los cuadros de la pintora
combinan meticulosamente formas anacrónicas y contradictorias
en apariencia, tomadas de la escultura, la pintura o las artes
decorativas.
Por la dedicación absoluta a su medio, Farah Atassi inventa
una pintura a la vez conceptual y física a través de puestas
en escena siempre extrañas.
Stéphane Dafflon
Nació en 1972, Suiza.
Las pinturas de Stéphane Dafflon son simples a primera vista,
extrañamente suaves, aunque perfectamente dominadas. Hechas
de formas geométricas y abstractas con contornos afilados y
colores primarios, sus obras de arte cuestionan primero por su
sobriedad efectiva. Luego, al acercarse, las formas se borran,
algunos ángulos se vuelven redondos y algunos puntos se
desvanezcan progresivamente. El artista distorsiona la línea,
desplaza la alineación, otorgando un poder vibratorio a sus
lienzos, que resuena dentro del espacio en el que se sitúa.
Primero creados con una computadora, las obras de Dafflon,
cuando se transcriben sobre un lienzo o una pared, se revelan
en su entorno. Por lo tanto, el trabajo de Stéphane Dafflon
necesita ser sentido, oído; Es una experiencia de la vida
real. Las muchas sensaciones físicas que el artista quiere
provocar en el espectador en el camino, por ejemplo, de la
música y de sus vibraciones mediante las cuales se inspira.
Como artista de hecho, mezcla muchas influencias diferentes.
Desde el arte concreto y el minimalismo en las formas y los
colores, incluyendo el diseño gráfico en el proceso de
creación asistido por ordenador, sus pinturas pueden ser
consideradas, así como el «diseño pintado» como de monocromo.
Leandro Erlich
Nació en 1973, Argentina.
“Las invenciones emigran del reino de la imaginación al mundo
físico. Mis pinturas pretenden proyectar estas imágenes de
nuevo en el mundo de las ideas. ¿Por qué colgar una puerta en
una pared? Esto puede parecer un gesto surrealista, pero la
puerta pintada (o pintura de la puerta) es tan real como la
puerta a través de la cual entramos en una habitación. Ambos
son hijos de nuestro ingenio. Estas pinturas nos recuerdan la
ubicuidad de nuestras mentes y la contingencia de los objetos.
Este gesto tanto exalta nuestra capacidad creativa como pone
de relieve al autor humano detrás de cada aspecto de la vida
moderna.”
Estas pinturas engañosamente simples apuntan a la compleja red
de la mente ya su manifestación en el mundo físico, un mundo
en el que todos somos artistas, todos creando, lo creamos o
no.
El trabajo de Erlich es el de un ilusionista. Sus
instalaciones realizadas a partir de motivos urbanos –una
fachada de edificio, un salón de belleza, una taza de café o
una piscina- desestabilizan la percepción del espectador. Con
el objetivo de hacer vivir una experiencia desestabilizante,
logra sacar al espectador de la racionalidad de la escala
humana y de sus perspectivas.
Peter Halley
Nació en 1953, Estados Unidos.
Peter Halley, uno de los artistas más emblemáticos de su
generación, se reconoce en la historia de la pintura
contemporánea como el heredero legítimo de la abstracción
americana. Se dio a conocer en la escena artística de Nueva
York a mediados de los ochenta, antes de alcanzar la fama
internacional hace más de 25 años como una figura importante
de la abstracción geométrica.
El uso de materiales industriales, mortero sintético, Day-Glo,
Roll-a-tex y pintura acrílica fluorescente, así como los
patrones recurrentes de circuitos y células, crean la firma de
Peter Halley con un impacto visual instantáneo. Para el
artista, la geometría es la metáfora de la sociedad
contemporánea. Su iconografía se desarrolla en una serie de
formas abstractas que hacen referencia a todo, desde la
arquitectura a las organizaciones sociales. El enfoque crítico
de Peter Halley no sólo se expresa en sus pinturas, sino
también en sus artículos y ensayos sobre el post-
estructuralismo, el post- modernismo, y la revolución digital
de los años ochenta.
Imi Knoebel
Nació en 1930, Alemania.
Imi Knoebel es un pintor y escultor alemán conocido por sus
contribuciones y la forma del arte abstracto minimalista del
siglo XX.
A menudo trabajando con formas modulares a gran escala, el
trabajo de Knoebel es considerado como una investigación
elíptica en curso sobre el formalismo y el medio de la pintura
misma. Continuó estudiando en la Escuela de Artes y Oficios de
Darmstadt y luego en la famosa Kunstakademie Düsseldorf, donde
hizo amistad con Joseph Beuys y Blinky Palermo. Aunque sus
primeros trabajos eran a menudo monocromáticos, Knoebel se
interesó por las enseñanzas del renombrado colorista Johannes
Itten, y gran parte de su obra posterior se caracteriza por su
brillante paleta y fuertes relaciones cromáticas. Knoebel ha
sido objeto de exposiciones individuales en instituciones como
la Haus der Kunst de Múnich, el Stedelijk Museum de Ámsterdam
y la Hamburger Bahnhof de Berlín. Vive y trabaja en
Düsseldorf, Alemania.
Marco Maggi
Nació en 1957, Uruguay.
A partir de simples materiales de uso cotidiano, como hojas de
papel, aluminio, manzanas e incluso sobres, el artista
despliega una topografía de detalles privilegiando lo micro
sobre lo macro, incitando al espectador a acercarse a sus
meticulosos objetos.
La obra de Maggi es una acto de resistencia. No busca la
grandilocuencia ni el choque. A través de la observación de
los cubos de plexiglás, a primera vista transparentes, o de
las hojas de aspecto blancas, descubrimos laberintos de huecos
y sólidos, sutiles relieves que se desprenden de superficies
planas, una interdependencia entre el anverso y el reverso.
Nos acercamos a estos objetos y percibimos una red infinita y
delicada donde nace una relación íntima que despliega el
sentimiento de lo sublime.
Actuando como haikus visuales cuyo significado permanece
enigmático, sus dibujos se funden con el espacio y crean una
constelación de formas dispersas. Las hojas de color rojo,
amarillo o azul, especies de señalizaciones discretas, marcan
el ritmo de nuestro camino, operando como manchas de color,
sombras o reflejos. Maggi se sirve del grabado, el dibujo, la
escultura, la superposición y la luz, para intervenir de
manera sutil y sumergirnos en el complejo rizoma que conecta
universos independientes.
Maggi vive y trabaja en Nueva York. Su trabajo es parte de
grandes colecciones tales como el MoMA (NY), Whitney Museum
(NY), la Fundación Daros en Suiza.
James Siena
Nació en 1957, Estados Unidos
Artista ineluctable de la escena artística neoyorquina, James
Siena es conocido sobre todo por su proceso de creación basado
en una serie de reglas autoimpuestas que califica como
“algoritmos visuales”. A través del establecimiento de un
dispositivo base que repite de manera obsesiva e infinita,
Siena se apropia de la superficie plana para dar lugar a
abstracciones geométricas complejas. Su obra explora numerosos
medios que incluyen la litografía, el grabado, el dibujo y la
pintura de esmalte sobre aluminio, una técnica característica
de su trabajo desde los años noventa. El rigor matemático del
proceso adoptado por James Siena y la técnica industrial de
esmalte sobre aluminio, no excluyen en lo más mínimo la
presencia de la mano, la fragilidad del gesto minucioso que el
artista reitera sin pausa en una pintura fundamentalmente anti
narrativa. En Siena el proceso y el sujeto se confunden para
crear superficies que concentran una energía particular e
hipnótica donde el observador es invitado a elegir su
propio camino entre las líneas y a dejarse ir en una
experiencia metafísica.
Dan Walsh
Nació en 1960, Estados Unidos
Desde principios de los noventa, Dan Walsh elabora una clase
de pintura que inscribe la fragilidad del gesto en una línea
mínima y geométrica. Pintadas a mano alzada, sus composiciones
constituyen una transgresión de la pureza objetiva del
minimalismo.
Atmosféricas en sus formas, colores o maneras de colgar, con
bloques de colores, líneas curvas y ángulos redondeados, los
lienzos de Dan Walsh generan una sensación flotante y una
extraña delicadeza. A través de la abstracción y la
simplificación de formas, cada cuadro remite a una
periodicidad, a un índice de contenidos potenciales que
permite, a la manera de los mandalas tibetanos, apoderarse de
la atención y la reflexión del espectador. Para Walsh, la
pintura es un medio pertinente para que el individuo encuentre
sentido en el mundo y para que el compromiso que la obra
requiere sea compartido con el público. De esta manera, el
cuadro no es una simple herramienta crítica, sino que
simboliza también y sobre todo el cuestionamiento de los
mecanismos perceptivos.
Fuente: Xippas Punta del Este
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| Artista(s) / Muestra |
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Xippas arte Punta del Este
Torre Yoo, Avenida Roosvelt, Parada 8 (Dpto Maldonado)
tel.
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Del:
13/01/2017
Hasta:
01/02/2017 |
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